PETER ASSMANN
Si è laureato in storia dell’arte all’Università di Innsbruck nel 1987, dove ha anche studiato storia e letteratura tedesca.
Storico dell’arte, professore universitario, artista visivo, curatore, è stato direttore dei musei regionali (Landesmuseen) dell’Alta Austria (dal 2000 al 2013), presidente dell’associazione dei musei d’Austria (dal 2002 al 2012) e vicepresidente della Società austriaca del folclore (2010-2013). È stato anche membro di NEMO (Network of European Museum Organizations) dal 2009 al 2014. In Italia, dove ha studiato e lavorato (nel 1989, a Firenze, al Deutsches Kunsthistorisches Institut), dal 2011 è membro del comitato scientifico del Museo del Castello del Buonconsiglio di Trento. È stato nominato direttore del complesso museale del Palazzo Ducale di Mantova nel dicembre 2015. Attualmente dirigie i musei di Innsbruck.

DAVIDE COLTRO
Davide Coltro, Verona 1967, vive e lavora a Milano. La sua ricerca utilizza le tecnologie di massa con inedite architetture che modificano i criteri di creazione, diffusione e fruizione dell’arte. Il suo Quadro Elettronico, risponde ad una visione storica e culturale attuale, sprigionando il potere evocativo del quadro tradizionale ma elevandolo ad autentico nuovo media. Negli ultimi anni ha iniziato un percorso di studi teologici, affrontando da questa prospettiva i temi fondamentali della storia dell’arte. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private: GAM – Verona, VAF Stiftung – Francoforte, Villa Panza – Varese, GAM – Seregno, Collezione Unicredit, Milano – GASC – Milano e sono esposte in molti musei tra i quali: Museum of Modern Art, Mosca – ZKM, Karlsruhe – Urban Center, Shangai – Etagi Project, San Pietroburgo – Centro Pecci, Prato – Farnesina, Roma – MART, Rovereto – MARCA, Catanzaro – Galleria Civica, Trento. Ha partecipato alla 54^ Biennale di Venezia nel Padiglione dell’Arsenale. Attualmente sta lavorando a un saggio sulla “Sintonia modale”.

DAVIDE DALL’OSSO
Diplomato come attore di prosa alla Civica Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano, successivamente viene selezionato con una Borsa di Studio per il “Corso di perfezionamento per attori professionisti” tenuto da Luca Ronconi al Teatro Argentina di Roma. Qui come attore di prosa lavora con diversi registi: Piero Maccarinelli, Carlos Martin, Thierry Salmon, Alfredo Arias, Mauro Avogadro e Luca Ronconi. Dopo la carriera come attore decide di seguire il suo sogno di diventare scultore. Mostre personali e collettive di rilievo: 2020 installazione all’Accademia Carrara di Bergamo, 2019 installazione a Bagno Vignoni; personale a Castelfiorentino; installazione al Salone Nautico di Genova; installazione a Fieracavalli; collettiva a Weingarten; 2018 personale a Siena; Biennale Art Light a Mantova; 2017 installazione nella Chiesa di S.Agostino a Cortona; due mostre personali a Pietrasanta; 2016 “Sanremo”, collaborazione alla scenografia e mostra al Teatro Ariston; mostra collettiva a Palazzo Ducale a Mantova; 2014 Paralimpiadi di Sochi, Expo Milano; 2011 “54a Biennale Venezia” nelle città di Milano, Viterbo e Torino; Rotonda della Besana; 2009 Leoncavallo di Milano; nel 2010 personale Equestria, Haras National, Tarbes, Francia.

NICOLA EVANGELISTI
Nicola Evangelisti (nato a Bologna, 1972). Diplomato in scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, dalla fine degli anni Novanta ha sviluppato un percorso artistico caratterizzato dall’uso della luce artificiale e incentrato su temi scientifici e cosmologici. Vincitore del Premio Internazionale Guglielmo Marconi (2000). Nel 2002 la Struttura Spaziale “Big Bang” entra a far parte della Targetti Light Art Collection e viene esposta al Chelsea Art Museum di New York, al Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle di Varsavia, al MAK di Vienna, al MUAR di Mosca. Nel 2009 realizza Light Blade, installazione luminosa nel porticato di Villa Reale a Milano, ora parte della collezione permanente della Galleria d’arte moderna di Milano. La sua installazione You are not safe è stata acquisita nella collezione permanente Galila’s P.O.C. Ha esposto in musei e gallerie italiani e internazionali tra cui: il MOAH (Lancaster, USA), Museo Nazionale del Ducato di Spoleto, Museo Collezione Paolo VI (Concesio, Italia) Meicheng Space (Shenzhen, Cina), Artiscope (Bruxelles, Belgio), Kromya Art Gallery (Lugano, Svizzera).
Dal 2013 ha realizzato nella sua città natale un ciclo di eventi multimediali in collaborazione con il musicista omonimo, Nicola Evangelisti, quali Lux Inaccessibilis, nel chiostro della Basilica di San Domenico e Genus Lucis nel Santuario della Madonna di San Luca.  Ha partecipato a esposizioni collaterali della Biennale di Bruxelles, della Biennale di Venezia e di Manifesta9. E’ alla sua terza partecipazione alla Biennale della Luce di Mantova.

SILVIA GUBERTI
Silvia Guberti nasce a Modena, dove vive e lavora. Si potrebbe iniziare dalle vicende biografiche di Silvia Guberti, dai sedici anni di pratica Shodo (do: ricerca e comprensione della vita; tramite sho, la scrittura, la pratica della calligrafia). Quanto più l’arte si concentra su di sé, tanto più il suo sguardo si distende fino ad abbracciare l’universo intero. In questo senso, forse, il lavoro di Silvia si ritrova ad intrecciare le esperienze di due culture agli antipodi (la ultra millenaria orientale, di matrice zen e la europea del secolo scorso, ricca del pensiero delle avanguardie e della sperimentazione). Dall’inizio degli anni ’70 Silvia Guberti è presente in numerose mostre personali e collettive tra le più recenti ricordiamo: 2020, Palazzo dei Principi – Correggio; 2019, “Io sono una poesia “, le arti negli anni ’60 tra Modena e Reggio Emilia, Museo Civico di Modena; 2017, “…e fu terremoto. La nascita e la morte del figlio di Dio, tra sacro e profano, Abbazia di San Benedetto Po Mantova; e “ A proposito di tutto e di qualcosa d’altro “, Galleria Arte su carte , Modena: in occasione della mostra l’editore ha realizzato il libro d’artista “ AB OVO ”;2014 “Shodo Italiano” Istituto Italiano di Cultura, Tokio; 2011, Giardino per aver piacere più tardi, Serre Ducali in occasione del Festival della Filosofia. Nel 2000 partecipa con una sua opera all’Evangeliario dell’Arcidiocesi di Modena e Nonantola; 1994, “Cena in bianco e nero – The taste of color”, Kurhaus e Art Gallery, Merano; 1993, “ Silvia Guberti. Il fattore Arcobaleno”, casa del Giorgione, Catelfranco Veneto; 1992, Arte e performances a casa Malapatrte “, casa Malaparte, Capri ;1991, “Artae”, a Ferrara,Roma.e Milano a cura di Achille Benito Oliva 1990, “Per la perla”, Avida Dollars Galleria d’Arte, Milano; 1988, “ Villa Domenica con undici artisti “, Villa Domenica, Lancenigo; 1985, “Kunst mit Eigen-Sinn, Aktuelle Kunst von Frauen”, Schweizergarten, Museum moderner Kunst, Wien.Della sua opera hanno scritto; Achille Bonito Oliva, Filiberto Menna, Marcello Venturoli, Enzo Bargiacchi, Carlo Federico Teodoro,Emilio Mattioli, Carlo Zauli, Renato Barilli,Alberto Bertoni, Rosanna Chiessi, Nadi Raimondi. Adriano Spatola, Nicola Micieli, Flaminio Gualdoni,Graziella Graziani, Corrado Costa,Virginia Baradel, Mario Bertoni, Aldo Tagliaferri, Michele Fuoco, Vittorio Erlindo Marilena Pasquali.

MARCO LODOLA
Nasce a Dorno (Pv). Frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze e di Milano. Fonda il movimento del Nuovo Futurismo.
A partire dagli anni 80’ espone nelle più grandi città italiane ed europee. Partecipa a progetti per importanti aziende: Coca Cola, Harley Davidson, Ducati, Riva, Illy… E’ invitato dalla Repubblica Popolare Cinese ad esporre nella città imperiale di Pechino.
Verso la metà degli anni 90’ inizia a lavorare negli USA .
Partecipa alla XII Quadriennale di Roma e alla VI Biennale della Scultura di Montecarlo e a diverse Biennali di Venezia.
Diverse le sue collaborazioni con scrittori contemporanei, cantanti, registi teatrali e cinematografici. Sue sculture sono nelle maggiori piazze di importanti: Montecarlo, Bologna, Paestum, San Paolo.
Cura l’immagine del Carnevale di Venezia che gli dedica la mostra ”Futurismi a Venezia” insieme a Fortunato Depero.
Realizza la luminosa Venerea nell’ambito della mostra Venere svelata curata da Umberto Eco. E’ sempre più presente con sue opere a trasmissioni televisive. Realizza una scultura luminosa per l’aeroporto internazionale di Città del Messico. Personale nel Museo di Evita Peròn a Buenos Aires. Realizza l’illuminazione ‘Ponticino’ sul Ponte dell’Impero di Pavia, il borgo di Castelnuovo Val di Cecina e la scenografia per il Teatro del Silenzio di Andrea Bocelli.
Espone presso la Reggia di Caserta una serie di sculture luminose.
Espone presso il Palazzo Magnani a Reggio Emilia.
Quest’anno ha rinnovato la facciata del teatro Ariston di Sanremo.

MAX MARRA
Max Marra è nato a Paola (Cs). Nel 1950 negli anni ’70 si trasferisce a Milano e opera a Lissone. Artista multidisciplinare dagli anni’ 80 indirizza la propria ricerca verso l’interazione e la contaminazione linguistica di disegno, pittura e scultura, utilizzando una comunicazione poetica che si coniuga al linguaggio delle avanguardie storiche e trova riscontro nelle radici espressive dell’arte europea. Nella sua ricerca l’idea di manufatto artistico, sia esso multiforme o polimaterico, talvolta è inteso come infinito etereo di leggerezza luce purificatrice. È tra gli artisti contemporanei che offre all’analisi una corposa attività di sperimentazione. La sua ricerca indaga l’organicità, il ritmo strutturale e profondo della materia, ma anche le possibilità comunicative offerte dal segno grafico e dal disegno. Realizza oltre quaranta personali partecipa a rassegne nazionali ed internazionali, esposto in gallerie private e istituzioni pubbliche e importanti fiere. È presente con opere polimateriche e disegni in collezioni internazionali e musei.

FRANCESCA ROMANO
Francesca è nata a Mileto nel 1960. Nel 1983 si laurea in Production Design all’Accademia di Belle Arti di Brera. Presto manifesta un particolare gusto artistico, viene coinvolta nelle  più prestigiose produzioni della RAI, tra le quali “I Promessi Sposi” regia di Salvatore Nocita, “ L’uomo dal fiore in bocca ”regia di Marco Bellocchio. Nel 1993 firma la scenografia del suo primo film tv : “Servo d’amore” di Sandro Bolchi. Inizia così  un’intensa collaborazione con il mondo della fiction e del cinema. Fanno parte delle sue produzioni: “Il conto Montecristo”, regia di Ugo Gregoretti, “Rocco”,  regia di Nicolò Bongiorno, “Magdalene’s Song”, regia di Mauro Campiotti. Nel 2010 – a Milano – la prima mostra personale, evento all’interno della manifestazione “Sguardi Altrove” presso Palazzo delle Stelline. Inizia  ad esporre con successo in Italia a Venezia, Milano, Torino, Mantova e Treviso, in Germania – in occasione di Berliner Liste e in  Francia – presso Espaceculture di Marseille. L’ultima esposizione personale  (20 novembre/8 dicembre 2019) è “Gli Invisibili”, nella prestigiosa cornice dello Studio Museo Francesco Messina, Milano. Vive tra Milano e  Hannover.

PAOLO SCIRPA
Paolo Scirpa (Siracusa, 1934) vive a Milano. Dagli anni Settanta realizza i Ludoscopi, opere che propongono la percezione di profondità fittizie. Negli anni ‘80 sviluppa i primi progetti d’intervento, inserendo le sue voragini luminose in architetture varie. Per anni è presente al Salon Grands et Jeunes d’aujourd’hui di Parigi; partecipa alla IX e alla XIII Quadriennale di Roma e a varie rassegne collettive: allo ZKM (Karlsruhe), alla Neue Galerie (Graz), al MART di Rovereto, alla GAM e al MACRO (Roma), al Museum Ritter (Waldenbuch), al MACBA (Buenos Aires), al MUO (Zagabria), al Museo Ettore Fico (Torino), alla Rocca Roveresca (Senigallia), a Palazzo Pretorio (Pontedera); tiene mostre personali: al MAGA (Gallarate), alla Galleria San Fedele e alla Biblioteca-Accademia di Brera (Milano), a Palazzo dei Diamanti (Ferrara), alle Fabbriche Chiaramontane (Agrigento). Sue opere sono al Museo del Novecento, alle Gallerie d’Italia (Milano); al MAGA (Gallarate); alla VAF-Stiftung (Frankfurt); alla GAM e alla Collezione Farnesina (Roma); al Palazzo dei Diamanti (Ferrara); al Museo MAGI (Pieve di Cento); al Museo d’Arte Contemporanea (Gibellina); al Museum Ritter (Waldenbuch) e al Musée des Beaux Arts (Caen).

MARIO AGRIFOGLIO
Nato a S.Margherita Ligure nel 1935, Mario Agrifoglio ha cominciato a dipingere a Sanremo all’età di undici anni. Vinti i primi concorsi quando ancora era adolescente, l’artista ben presto giunse a farsi conoscere in Italia e all’estero e raggiunse prestissimo una grande notorietà. La vastità e l’arco delle sue esperienze lo portano a cimentarsi in ogni settore della ricerca pittorica e fanno di lui un personaggio di estremo interesse sia sul piano artistico sia su quello della problematica sperimentale. Oltre alle mostre personali che organizza in Italia e all’estero, si dedica al restauro, alla scultura, alla ceramica ed allo studio dei problemi fisici che si connettono con la pittura e, create nuove forme espressive quali il “Compensazionismo simbolico” e quello “analitico”, riceve importanti e significativi riconoscimenti.

LEONILDE CARABBA
(Monza, 1938) Vive e lavora a Milano.
Sin dagli anni Sessanta indaga la Luce attraverso microsfere di vetro, colori fluorescenti, fosforescenti, luci di wood, laser, realizzando opere con ombre e giochi di luce e trasportando l’osservatore in un mondo immaginario al cui cospetto è istintivo abbassare il tono della voce e lasciarsi catturare dal senso del Sacro. Più di 250 mostre: 1969 “Dal Segno all’Oggetto” – Galleria Cadario, Caravate; 1987 “Mostra Personale al The Rosicrucian Egyptian Museum” – San Josè, California; 1993/96 –“Art & Tabac” a cura di Pierre Restany – Roma, Riccione, Vienna, Amsterdam ; 2008 “Maestri di Brera a Shanghai” – Liu Haisu Museum; 2010 – “La Forma e la Luce” – Bipersonale con Franz Grau – München; 2011 “Un Viaggio Alchemico 1961-2011” – Antologica a cura di Women in Art – Palazzo Cusano, Cusano Milanino. 2017 “Dialoghi con l’Assoluto” – Spazio al Bello, Milano. 2017 “BLACK LIGHT ART – La Luce che colora il buio” Milano, Como, Spoleto. 2018 “Confluentes” Koblenz; 2020 – GEO-GRAPHIES – ART WOMAN- CONTEMPORARY ART EXHIBITION, Lecce. Gallerie di riferimento in Germania GARWAIN e. K. Verlag & Kunstprojekte Kallenbach, Koblenz e da Fine Art Connection, Bonn; in Italia Primo Piano LivinGallery, Lecce. Quotata sul Catalogo d’Arte Moderna. Recentement un suo quadro è stato acquistato dal Ludwig Museum di Koblenz.

MARIA CRISTIANA FIORETTI
Nata nel 1966 a Cingoli, artista multimediale, vive e lavora tra Milano e Mentone (Francia). Diplomata all’Istituto Statale d’Arte di Ancona e all’Accademia di Belle Arti di Macerata. Dal 1966 insegna in varie Accademie d’Italia e dal 2004 è titolare della cattedra di Cromatologia all’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano.
Dal 2019 è Direttrice della Scuola di Decorazione dell’Accademia di Brera, Milano. Nel 2010 pubblica il manuale didattico” LIGHT e COLOR” con Domenico Nicolamarino. Dalla seconda metà degli anni ’80 tiene mostre personali e collettive nazionali ed internazionali in spazi pubblici e privati. Nel 2010 presenta la prima opera site-specific multimediale nella mostra “LIGHT ABSTR-ACTION” a cura di Jacqueline Ceresoli, alla Casa dell’Energia di Milano (catalogo edizioni Mazzotta) poi ospitata al Castello Medioevale “Carlo V “ di Lecce per la III Edizione del Festival dell’Energia. Nel 2013 espone l’opera site-specific “Sensorial Space” nell’ambito degli eventi collaterali alla 55 Biennale di Venezia, nella mostra “ Personal Structures” a Palazzo Bembo. Nel 2015 elabora “Colormaps or Spices”, mappe in cui introduce elementi organici esposte al Museo Archeoloico Rossi di Ventimiglia, a cura di Jacqueline Ceresoli e successivamente alla galleria Art Bloom di Pechino. Nel 2017 partecipa alla mostra collettiva del gruppo di Black Light Art a cura di Gisella Gellini e Mario Agrifoglio al Palazzo della Regione Lombardia, alla Pinacoteca Civica di Como e al Museo Civico della Rocca Albornz di Spoleto. Nel 2018 realizza l’opera site-specific “LightNess”multimedia installation presso la galleria Zuo An Art Center, Da Li, Yun Nan, Cina. Nel 2020 il Comune di Milano, la seleziona per il palinsesto “I talenti delle donne” e organizza la mostra IL COLORE DELL’ACQUA a cura di Raffaella Resch all’Acquario Civico di Milano. www.cristianafioretti.com

FEDERICA MARANGONI
Artista multimediale già dal 1970 opera a livello internazionale usando vetro-luce-video per le opere ed installazioni. Viene invitata al MOMA New York con la performance Interrogation e il film The box of Life. Fonda la sua ricerca su luce e artificio, realtà e finzione, gioco dell’effimero, della trasparenza e della mobilità virtuale dell’immagine. Pioniera negli anni Sessanta e Settanta nella ricerca di nuovi materiali, plastiche, neon e video, questi ne segnano, come per le generazioni dopo Duchamp, la sua espressione artistica. Vuole essere libera nell’impegno di ogni messo per fare Arte. Invitata dai Musei Civici Veneziani a rappresentare la città per la Biennale del 2015, realizza un’opera site specific per la facciata barocca di Ca’ Pesaro sul Canal Grande.

SEBASTIANO ROMANO
Sebastiano Romano (Siracusa 1953) Scenografo Light artist, si forma presso l’Accademia di Belle Arti di Brera e il Teatro alla Scala. Inizia il suo percorso professionale collaborando sin dai primi anni ’80 con registi e compagnie teatrali di rilievo nazionale. Nel corso della lunga attività progetta e realizza anche molti eventi culturali e musicali per numerosi Festival e Istituzioni nazionali e internazionali. Dal 2006 elabora una nuova esperienza artistica applicando l’immaginario scenografico nelle installazioni luminose proposte in diversi spazi urbani e nei siti storici di molte città del territorio nazionale. In questi interventi e nei lavori successivi di carattere grafico l’utilizzo della luce diventa l’elemento espressivo predominante. Molti suoi lavori sono stati documentati in riviste di settore, in pubblicazioni di Light Art e presentati in alcune mostre quali: Light Art Ensemble, ex chiesa di San Carpoforo Milano 2014, Black Light Art: la luce che colora il buio, Spazio espositivo di Palazzo Lombardia Milano e Rocca Albornoz- Museo Nazionale del Ducato di Spoleto 2017- 2018.

DAVIDE DALL’OSSO
Nasce a Pesaro, vive e lavora a Casole D’Elsa. Diplomatosi come attore alla Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano, sceglie la contaminazione dei linguaggi, ed è stimolato ad intraprendere uno studio sul corpo, sullo spaio e sulla materia. Il lavoro con Enrique Vargas, lo porta alla scultura quale mezzo di espressione creativa e chiave di lettura della spiritualità dell’uomo contemporaneo. Dotato di una “istintiva capacità figurativa”, comincia a realizzare in creata e successivamente in resina, figure umane ed animali a grandezza naturale. La figura del cavallo lo colpisce per la sua espressività e per la forte fisicità. I primi cavalli vengono realizzati in creta e resina, e durante questa lavorazione l’artista si avvia verso la ricerca di nuovi materiali.

FARDY MAES
Nasce in California nel 1943. Segue la vita nomade dei genitori ricchi e colti, che la portano fin da bambina a vedere mostre d’arte, rappresentazioni teatrali e balletti in diverse città americane. La scuola è quella dei genitori che la istruiscono e la formano al fare pratico e alla filosofia. Giovane hippie partecipa alle più importanti manifestazioni di contestazione degli anni Sessanta. Le sue opere sono presso numerosi collezionisti americani. Intorno al 1980 comincia a occuparsi di light art. Amante dell’Italia, ogni tanto fa visita in Toscana ad una sua amica inglese. Spiccatamente minimalista, ha guardato molto al lavoro di Dan Flavin e ne porta avanti la sua lezione, quasi sempre utilizzando i neon. Predilige gli interventi in site specific come quello realizzato per Mantova.

MARCO LA ROSA
Nasce a Brescia nel 1978. Coesistono, nei suoi lavori, elementi comuni e ricorrenti che ogni volta riemergono in modi e tempi differenti. Tali “costanti d’indagine” sono, oramai, parte indispensabile, bussola, del suo viaggio. Doppio, confine, limite, altrove, vuoto, sono alcuni dei concetti fondamentali che alimentano, giorno dopo giorno, la sua inquietudine. Una quotidiana oscillazione tra una componente mentale e una fisica. Un “doppio sguardo” ricolto al tempo e allo spazio che crea necessariamente delle sfasare, e delle sconnessioni, nelle cui fratture, costruisce e colloca il suo lavoro e le sue opere. Immagini come filtri, membrane o soglie che invitano il visitatore ad oltrepassare la realtà contingente.

FEDERICA MARANGONI
Artista multimediale già dal 1970 opera a livello internazionale usando vetro-luce-video per le opere ed installazioni. Viene invitata al MOMA New York con la performance Interrogation e il film The box of Life. Fonda la sua ricerca su luce e artificio, realtà e finzione, gioco dell’effimero, della trasparenza e della mobilità virtuale dell’immagine. Pioniera negli anni Sessanta e Settanta nella ricerca di nuovi materiali, plastiche, neon e video, questi ne segnano, come per le generazioni dopo Duchamp, la sua espressione artistica. Vuole essere libera nell’impegno di ogni messo per fare Arte. Invitata dai Musei Civici Veneziani a rappresentare la città per la Biennale del 2015, realizza un’opera site specific per la facciata barocca di Ca’ Pesaro sul Canal Grande.